Teatro da Grécia antiga

Origens

Alguns pensam que a religião e o teatro gregos primitivos foram influenciados pelas práticas xamanistas da Ásia Central. Um grande número de graffitis órfãos descobertos em Olivia parece mostrar que a colônia era um importante ponto de contato. Eli Crozier ressalta que o xamã pode ser visto como um tipo primitivo de ator influenciando os rituais do teatro grego primitivo.

Grego hoje como sabemos foi feito em Atenas alguns anos antes de 532 AC, quando Thespis foi o mais antigo dramaturgo registrado. Ele venceu o primeiro concurso teatral realizado em Atenas, então ele era o líder dos paratiróides realizados na Ática e arredores. Os paratiróides eram hinos antigos cantados em louvor ao deus do vinho e da fertilidade, Dionísio. Eles tinham uma natureza selvagem e extasiante.

Na época do Thespis, a diatermia havia evoluído muito longe de suas raízes de culto. Tinha se tornado um gênero narrativo, semelhante a uma balada. Por causa disso, o Thespis é freqüentemente chamado de "Pai da Tragédia". Diz-se que o estadista Sólon criou poemas nos quais os personagens falam com sua própria voz. Recitações faladas, conhecidas como rapsódias, dos épicos de Homero eram populares em festivais antes de 534 AC. A contribuição de Thespis para o drama não é clara, mas seu nome é lembrado no termo comum para o intérprete - 'thespian'.

As apresentações dramáticas foram importantes para os atenienses - isto é deixado claro pelo festival dionisíaco. Isto foi organizado talvez para fomentar a lealdade entre as tribos da Ática. Estas haviam sido criadas recentemente por Cleistenes, que fundou a democracia grega. O festival foi criado por volta de 508 AC.

Phrygia foi o primeiro poeta conhecido a usar um tema histórico - sua Queda de Milieus, 493, contou o destino da cidade de Miletus depois de ter sido conquistada pelos persas. Ele também é considerado o primeiro a usar personagens femininas (embora não artistas femininas).

Até o período helenístico, todas as tragédias eram peças únicas escritas em homenagem a Dionísio e tocadas apenas uma vez, de modo que hoje só temos as peças que ainda eram bem lembradas para serem repetidas quando a repetição de antigas tragédias se tornou moda.

O Período Clássico

Após a Grande Destruição de Atenas pelo Império Persa em 480 AC, a cidade e a acrópole foram reconstruídas, e o teatro tornou-se uma parte ainda mais importante da cultura ateniense e do orgulho cívico. A peça central foi a competição entre três dramaturgos trágicos no Teatro de Dionísio, duas vezes ao ano. Cada um apresentou três tragédias, mais uma peça de satyr (uma versão cômica e burlesca de um tema mitológico). A partir de 486 a.C., cada dramaturgo também apresentou uma comédia. Aristóteles alegou que Ésquilo acrescentou o segundo ator, e que Sófocles introduziu o terceiro. Aparentemente, os dramaturgos gregos nunca usaram mais de três atores.

A tragédia e a comédia foram vistas como gêneros completamente separados, e nenhuma peça jamais fundiu aspectos dos dois. As peças de Satyr tratavam do tema mitológico das tragédias, mas de uma maneira puramente cômica. Entretanto, como foram escritas mais de um século após a Idade de Ouro ateniense, não se sabe se dramaturgos como Sófocles e Eurípedes teriam pensado em suas peças nos mesmos termos.

Período helenístico

O poder de Atenas diminuiu após sua derrota na Guerra do Peloponeso contra os espartanos. A partir daquele momento, o teatro voltou a apresentar velhas tragédias. Embora suas tradições teatrais pareçam ter perdido sua vitalidade, o teatro grego continuou no período helenístico (o período após as conquistas de Alexandre o Grande no século IV a.C.). A principal forma teatral helenística não foi a tragédia, mas a 'Nova Comédia', episódios cômicos sobre a vida dos cidadãos comuns. O único dramaturgo do período cujo trabalho sobreviveu foi Menander. Uma das contribuições mais importantes da New Comedy foi sua influência na comédia romana, uma influência que pode ser vista nas obras sobreviventes de Plautus e Terence.

Edifícios e performances

As peças tinham originalmente um coro de até 50 pessoas, que interpretavam as peças em verso acompanhadas de música, começando pela manhã e durando até a noite.

O espaço da apresentação era um simples espaço semi-circular, a orquestra, onde o refrão dançava e cantava. A orquestra estava em um terraço achatado ao pé de uma colina, cuja encosta produzia um teatrão natural, (local de observação). Mais tarde, o termo "teatro" passou a ser aplicado a toda a área do teatron, orquestra e skené (cena).

Os teatros foram feitos muito grandes. O público pode ter até catorze mil pessoas. As vozes dos atores precisavam ser ouvidas em todo o teatro, incluindo a fila de cima dos assentos. O entendimento da acústica dos gregos se compara bem com o estado atual da arte.

Em 465 a.C., os dramaturgos começaram a usar um pano de fundo ou uma parede cênica, que pendurou ou ficou atrás da orquestra, que também serviu como uma área onde os atores podiam mudar seus trajes. Era conhecido como o skênê (cena). Em 425 a.C., um muro de cena de pedra, chamado de paráscenia, tornou-se um suplemento comum ao skênê nos teatros. O proskenion ("em frente à cena") era colunado, e era semelhante ao proscênio dos tempos modernos.

Os teatros gregos também tinham entradas para os atores e membros do coral chamados parodoi. Eram arcos altos que se abriam para a orquestra, através dos quais os intérpretes entravam. No final do século V a.C., por volta da época da Guerra do Peloponeso, o skênê, a parede traseira, tinha dois andares de altura. Alguns teatros também tinham um lugar elevado para falar na orquestra chamado logeion.

Elementos cênicos

Havia vários elementos cênicos comumente usados no teatro grego:

• makhina, um guindaste que dava a impressão de um ator voador (assim, deus ex machina, ou seja, 'o deus da máquina').
• ekkyklema, uma carroça com rodas usada para trazer personagens mortos para o público ver
• alçapões, ou aberturas similares no chão para elevar as pessoas ao palco
• Pinakes, quadros pendurados para criar cenários
• Tirômatos, imagens mais complexas incorporadas no segundo nível (terceiro nível a partir do solo)
• Os adereços fálicos foram usados para peças de satír, simbolizando a fertilidade em homenagem a Dionísio.

Refrão grego

Embora nos primeiros tempos o coro fosse muito maior, os números se reduziam a 12 ou 15 em tragédias e 24 em comédias. Eles geralmente interpretam um personagem de grupo, como "os velhos de Argos". O refrão oferece informações de fundo, resumos e comentários. Em muitas dessas peças, o refrão expressa ao público o que os personagens principais não podem dizer, tais como seus medos ou segredos escondidos.

O refrão pode cantar, ou pode falar em uníssono (dizer a mesma coisa juntos). O refrão compensava o fato de que havia apenas um, dois ou três atores, que interpretavam vários papéis cada um (troca de máscaras).

Antes da introdução de vários atores por Ésquilo, o refrão grego era o principal intérprete oposto de um ator solitário. A importância do refrão diminuiu após o século V aC, quando o refrão começou a ser separado da ação dramática. Os dramaturgos posteriores dependiam menos do refrão.

Máscaras

A máscara é conhecida por ter sido usada desde a época de Ésquilo, no século VI dC. É uma das coisas típicas que eles fizeram no teatro grego clássico. As máscaras também eram usadas na adoração de Dionísio, e foi provavelmente assim que a tradição começou.

A maior parte das provas vem de algumas pinturas em vaso do século V a.C. que retratam atores se preparando para uma peça de Satyr. Nenhuma evidência física sobreviveu: as máscaras eram feitas de materiais orgânicos. Elas não eram consideradas objetos permanentes, e eram dedicadas ao altar de Dionísio após as apresentações. Há, no entanto, exemplos de estátuas de atores carregando uma máscara na mão.

Foram feitas máscaras para os atores e para o refrão, que ajudam o público a saber o que um personagem está pensando. Todos os coros usam a mesma máscara, porque representam o mesmo personagem.

Funções da máscara

Em um grande teatro ao ar livre, como o Teatro de Dionísio em Atenas, as máscaras aproximaram o rosto dos personagens do público, pois tinham características e expressões exageradas. Um ator podia aparecer e reaparecer em diferentes papéis, já que o público não identificava o ator com um único personagem. Suas variações ajudam o público a distinguir sexo, idade e status social. Além disso, eles podiam mostrar uma mudança na aparência de um personagem, por exemplo, Édipo depois de se cegar. ^p70 Também foram criadas máscaras exclusivas para personagens e eventos específicos em uma peça, como As Fúrias em Eumenides de Ésquilo e Pentheus e Cadmus em As Bacchae de Eurípedes. Usadas pelo refrão, as máscaras criaram uma sensação de unidade e uniformidade, uma espécie de persona multifacetada ou organismo único.