Italiano primitivo
- Uccello, São Jorge e o Dragão, c.1450, Florença
A história desta pintura é uma lenda cristã sobre o dragão que roubou uma princesa. A princesa encantou o dragão e o amarrou com seu cinto, mas ela não conseguiu escapar. O nobre George veio em seu resgate e matou o Dragão. Há muitas pinturas de São Jorge na National Gallery porque ele é o santo padroeiro da Inglaterra. Uccello tentou mostrar a perspectiva da paisagem, arranjando áreas claras e escuras no chão. As linhas diagonais são importantes neste quadro. A linha feita pela asa e perna do dragão vai na mesma direção que a lança de George, enquanto o corpo e a cauda vão na direção oposta.
- Piero della Francesca, O Batismo de Cristo, c.1450, Umbria
- Mantegna, The Agony in the Garden, 1460, Mântua
- Pollaiuolo, O Martírio de São Sebastião, 1475, Florença
A história desta pintura vem da Mitologia Romana. Marte, o Deus da Guerra, tem feito amor com Vênus, a Deusa do Amor. Ele está tão cansado que não sabe que pequenos faunos estão brincando com suas armas. Mas uma pessoa está prestes a soprar uma grande concha no seu ouvido. A mensagem deste quadro é que o Amor pode vencer a Guerra. O desenho é baseado em um grande W., o que torna o quadro simétrico. Botticelli fez isto para o quarto de dormir de Giuliano de'Medici, um nobre rico de Florença. Ele pintou Marte para se parecer com Giuliano e Vênus para se parecer com sua namorada, mas Giuliano não teve muito tempo para desfrutar de suas pinturas, pois foi assassinado pouco tempo depois.
- Perugino, Madonna e Child com os anjos Michael e Raphael, 1496, Perugia
- Giovanni Bellini, Retrato de Leonardo Loredano, Doge de Veneza, 1501, Veneza
Pintura do início da Europa do Norte
O Wilton Diptych é um dos quadros mais preciosos da Galeria Nacional, pois a maioria das pequenas obras de arte da Idade Média na Inglaterra foram destruídas. Esta pintura mostra o Rei Ricardo II da Inglaterra sendo apresentado à Virgem Maria por seus três santos padroeiros. Ele é pintado em têmpera; as cores são misturadas com ovo. A palavra "díptico" significa que está em duas partes e pode ser fechada como um livro. O fundo é coberto com folha de ouro finamente batida. O azul é feito de pedra semi-preciosa moída, lápis lazúli. Pode ter sido pintado como um presente de casamento para o Rei enquanto ele estava na França.
- Jan van Eyck, The Arnolfini Wedding, 1434, Bélgica
- Hans Memling, Virgem e Criança com santos e doadores, 1477, Bruges
- Rogier van der Weyden, Pieta, c.1460, Bruxelas
- Hieronymous Bosch, The Mocking of Christ, c.1480, Bois-le-Duc
- Albrecht Durer, The Painter's Father, 1497, Nurembergue
Esta pintura é um retábulo para uma igreja. Mostra a Virgem Maria sentada como uma rainha em um trono com o Menino Jesus. Ele é adorado por três santas e pelo homem que pagou ao artista para fazer o quadro para a igreja. Ele é chamado de "o doador". Tudo no quadro foi pintado em grandes detalhes, as roupas, os azulejos, as jóias, os edifícios e as flores. Muitas das coisas no quadro são símbolos. O cãozinho é o símbolo da fidelidade. Os lírios são o símbolo da pureza da Virgem Maria. O quadro não mostra parte de uma história ou de um momento no tempo. O quadro foi pintado para ajudar o espectador a acalmar a mente para a oração.
- Lucas Cranach, Cupido, picado por uma abelha, 1522, Weimer
- Hans Holbein, The Ambassadors, 1533, nascido em Augsburg, morreu em Londres. Veja abaixo.
- Pieter Breughel, o Ancião, A Adoração dos Reis, 1564, Bruxelas
Itália na década de 1500
- Leonardo da Vinci, The Virgin of the Rocks, c.1506, Milão. Veja abaixo.
- Michelangelo, The Entombment of Christ, c.1506, Roma. Veja abaixo.
- Raphael, The Ansidei Madonna, c.1505,
- Giorgione, Adoração dos Reis, 1507, Veneza
Esta imagem vem da mitologia grega. A princesa Ariadne naufragou em Naxos, a ilha de Bacchus. Baco vê Ariadne e se apaixona à primeira vista. Ticiano mostra-o saltando de sua carruagem que é puxada por chitas, enquanto Ariadne se vira para fugir. Mas Ariadne olhou nos olhos de Baco, e também se apaixonou. No céu está a coroa de estrelas que Baco lhe deu em seu casamento. Ticiano pintou um movimento em espiral em muitas das figuras. Ele pode ser visto no lenço vermelho de Ariadne. Embora esta pintura seja sobre mitologia, as figuras são muito realistas.
- Lorenzo Lotto, Lady as Lucretia, 1530, Veneza
Este retrato mostra uma mulher com um vestido de veludo ricamente colorido, segurando um desenho de Lucretia, uma nobre mulher da Roma Antiga que cometeu suicídio esfaqueando-se depois de ter sido estuprada. O quadro pode ter sido feito para uma família que queria que sua filha se casasse bem. O simbolismo do quadro mostra em primeiro lugar que a jovem mulher é rica e, em segundo lugar, que é sexualmente pura. Estas duas coisas foram importantes para fazer um bom casamento. O loto tem usado contraste de cor no vestido laranja e verde para fazer um efeito rico. Ele também fez um uso incomum no contraste de tom. Áreas muito leves como seu rosto, peito e mão controlam o centro da pintura. Mais três áreas muito leves são colocadas ao lado direito, o desenho, a mão e a nota. Este arranjo é assimétrico.
Itália, França e Espanha nos anos 1600
Esta pintura é baseada em uma história da Bíblia. Dois dos seguidores de Jesus estavam caminhando no caminho de Emaús, falando tristemente sobre a morte de Jesus. Um homem veio e caminhou com eles, mas a princípio eles não o conheciam. Naquela noite, jantando em uma pousada, de repente eles sabiam que era Jesus que havia ressuscitado dos mortos e agora estava vivo. Caravaggio mostrou este momento no tempo como se fosse uma fotografia. As coisas que fazem esta foto parecer tão real são a luz, o movimento e os detalhes. Caravaggio pintou a luz que vinha de um lado como se houvesse uma grande lâmpada. A cabeça do estalajadeiro faz uma sombra atrás de Jesus que é como uma auréola. O quadro pegou um único segundo quando Jesus levantou sua mão, um homem começa a se levantar e o outro está jogando seus braços para fora. Somente o estalajadeiro está quieto. A vista da mão de Jesus, os braços do homem e o cotovelo do outro homem são premonitórios. Os detalhes mostram pessoas comuns com roupas comuns que são velhas e rasgadas. Há também uma natureza morta da cesta à beira da mesa. A iluminação e o realismo de Caravaggio foram copiados por muitos outros pintores, incluindo Rembrandt e Velázquez.
- El Greco, Cristo conduzindo os Traders do Templo, c.1600, Toledo
- Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Roma
- Claude Le Lorrain, partida da Rainha de Sabá, 1648, França e Roma
Esta paisagem imaginária é baseada em uma história da Bíblia. Nesta cena, a Rainha de Sabá parte em sua viagem da África para a Palestina para encontrar o Rei Salomão. Mas o que o artista realmente queria mostrar era a luz nebulosa da manhã do nascer do sol sobre o mar. Ele também pintou três tipos diferentes de edifícios. À esquerda está uma ruína antiga como as que a artista viu em Roma. Ao fundo, está um castelo e uma torre da Idade Média. À esquerda, a rainha está saindo de um grande palácio no novo estilo da Renascença. Nada neste quadro tem nada a ver com a África ou a Palestina. Trata-se de Roma. Ao mostrar a Rainha de Sabá, Poussin está dizendo que a cidade de Roma, com toda sua história de 2000 anos, é como a Rainha mais bela e inteligente que já viveu. Este tipo de pintura é chamado de "alegoria".
Esta pintura é uma cena da Mitologia Romana. As mulheres são ninfas, os espíritos da floresta. Alguns dos homens são sátiros e têm chifres e cascos de cabras. Eles vivem em Naxos, a ilha de Baco, e passam muito tempo se embriagando, dançando e fazendo amor. Nesta festa selvagem, até mesmo os bebês estão bebendo vinho. Uma ninfa está prestes a esmagar um jarro de vinho na cabeça de um sátiro, que está tentando beijar sua amiga. Poussin tem usado grandes áreas de cores vivas. No início, a pintura parece um emaranhado de corpos, mas tudo está arranjado com muito cuidado para dar um efeito de dança a todo o quadro. Uma grande forma triangular contém todas as figuras. Fora do triângulo à direita, há uma estátua de Pan. Do lado esquerdo, há uma bela paisagem.
- Diego Velázquez, The Rokeby Venus, 1649, Madri.
Esta foto é tirada da Mitologia Romana. Ela mostra Vênus, Deusa do Amor e da Beleza, olhando para um espelho segurado por seu filho Cupido. Velázquez passou a maior parte de seu tempo pintando retratos para a Família Real da Espanha e seus parentes. Ele é um dos mais famosos pintores de retratos de todos os tempos. Mas este quadro provavelmente foi feito por ele mesmo, e quando ele o fez, correu o risco de ser seriamente punido. Na Espanha, embora o rei governasse, a Igreja estava no controle. Eles observavam tudo o que todos faziam, e tinham um número muito grande de pessoas mortas. Era contra a lei na Espanha pintar quadros nus como este. Velázquez teve muito cuidado para mostrá-la apenas de costas. A imagem do rosto não é muito clara. Os espelhos antigos não eram tão claros quanto os modernos. Talvez Velázquez quisesse disfarçar o rosto da mulher para sua proteção. A disposição e a coloração desta pintura é muito simples. As linhas graciosas do corpo se repetem nas capas das camas cinza e branca. A cortina vermelha está no mesmo ângulo que sua cabeça, e é uma cor quente, como sua carne rosada.
- Murillo, The Two Trinities, 1681, Sevilha
Holanda e Flandres nos anos 1600
- Gerrit von Honthorst, Cristo perante o sumo sacerdote, 1617, Utrecht
Rembrandt é mais conhecido como um pintor de retratos, em particular pelos muitos auto-retratos que registram sua vida desde quando era adolescente até sua velhice. Ele também pintou muitas cenas da Bíblia, como esta. O pai do príncipe Belsazar havia levado o povo judeu para a Babilônia como escravos. Belsazar estava dando uma festa e enviou criados para trazer os copos de ouro que haviam sido roubados do Templo em Jerusalém. De repente, uma mão estranha apareceu e escreveu uma mensagem no muro. Ninguém sabia o que significava, então Belshazzar perguntou a Daniel, que era um profeta judeu. Daniel disse: "Você foi pesado e medido por Deus". Você não cumpre as regras de Deus". Seus dias estão contados". Esta pintura mostra o quanto os pintores holandeses aprenderam com Caravaggio. Esta pintura pode ser comparada à Ceia de Emaús. É outra cena cheia de drama. Rembrandt colocou duas das figuras em ângulos incomuns. O corpo de Belshazzar está de frente para o espectador, mas sua cabeça está aparafusada para ver o que está acontecendo atrás dele. Ao saltar de sua cadeira, ele bate o copo dourado segurado por uma de suas esposas. Ela também está em um ângulo estranho porque o espectador olha para baixo em sua cabeça e ombros. Rembrandt fez um contraste entre a rica textura de suas vestes e seu rosto flácido e barriga gorda.
- Anthony van Dyck, Charles I da Inglaterra em Horseback, 1631, Londres. Veja abaixo.
- Peter Paul Rubens, The Judgement of Paris, 1632, Antuérpia
Rubens era um pintor tão popular que ele se tornou rico e famoso. Ele pintou retratos e muitas cenas da Bíblia e da Mitologia. A história desta pintura é da mitologia grega e romana. Paris era um príncipe que foi criado por um pastor. Ele recebeu uma maçã dourada e foi convidado a julgar um concurso de beleza entre três deusas: Juno, a Deusa da Família; Minerva, a Deusa da Guerra e Vênus, a Deusa do Amor. Cada uma ofereceu uma recompensa: riqueza, sucesso na batalha e a mulher mais bela do mundo como sua esposa. Paris escolheu a última e deu a maçã a Vênus. Isto deixou duas pessoas muito poderosas com raiva. E o que ele não percebeu foi que a mulher mais bela do mundo, Helena deTróia, já estava casada. Rubens pintou um quadro para decorar a parede da casa de um rico patrono. O quadro tem muitos detalhes que ajudam a contar a história. Estes incluem o pequeno Cupido, um cão pastor, o pavão de Juno, o escudo assustador de Minerva e o pastoreio de ovelhas na bela paisagem. Mas as coisas mais importantes na pintura são os três belos nus. Foi isto que tornou os quadros de Ruben tão populares.
- Franz Hals, Grupo familiar, 1640s, Antuérpia
- Pieter der Hoogh, Courtyard in Delft, 1658, Delft. Veja abaixo.
- Johannes Vermeer, Young Woman at the Virginals, c.1670, Delft. Veja abaixo.
- Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis
A pintura paisagística tornou-se muito popular na Holanda nos anos 1600. Nesta perspectiva de quadro é muito importante. Em um país muito plano, pode ser difícil julgar a que distância as coisas estão. Hobbema usou esta estrada reta com duas fileiras de árvores altas para dar uma sensação de quão distante está a cidade. À primeira vista, esta pintura parece bastante simétrica. Mas Hobbema acrescentou muitas diferenças para tornar a pintura mais interessante, equilibrando uma casa de fazenda de um lado com uma igreja do outro e tornando as duas fileiras de árvores bastante diferentes.
Os 1700s
- Watteau, The Lovers, c.1720, França
- Giambattista Pittoni ,O Sacrifício de Polixena, 1740, Veneza
- Canaletto, The Basin of St Mark's on Ascension Day, c.1740, Veneza
- Chardin, The little Teacher, c.1740, Paris. Veja abaixo.
- William Hogarth, Marriage a la Mode ( uma história em seis fotos), 1743, Londres
- George Stubbs, Uma Família em seu Phaeton, c.1750, Inglaterra
Nos anos 1700, as pinturas paisagísticas eram populares na Inglaterra, mas eram mais do que apenas quadros da bela paisagem rural pintados como decorações para uma sala. A maioria das pinturas paisagísticas também eram registros de uma família e da terra que possuíam. Eles eram um sinal da riqueza e do status da família. Nesta pintura, os proprietários de terras exibem seu parque privado com sua variedade de árvores. Eles também exibem seu esplêndido par de cavalos e sua elegante carruagem chamada "phaeton". Juntos, esta carruagem e os cavalos são o equivalente do século 18 a um carro muito caro. Stubbs era mais famoso por pintar cavalos. Ele era um mestre em compor belos quadros. Aqui, ele criou um equilíbrio entre o grande chapéu da senhora na moda colocado contra a árvore escura e os cavalos pretos contra o céu pálido.
- Tiepolo, Alegoria do Amor e do Tempo, 1754, Itália
- Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, Londres
- Thomas Gainsborough, The Morning Walk, 1786, Londres
- Goya, O Duque de Wellington, 1812, Espanha e França
1800 em diante
Este é um quadro triste. Seu nome completo é The Fighting Temeraire puxado até seu último Berth para ser quebrado como sucata. Esta é a última viagem para um dos grandes navios de guerra que lutaram pela Inglaterra contra a frota francesa na Batalha de Trafalgar. Sua forma alta e elegante faz um contraste com o rebocador preto sujo com um funil fumegante que a está rebocando. Turner, que era especialista em pintar o mar, o céu e o clima, colocou a lua no céu perto do veleiro. A lua está em sua última fase. Do outro lado do quadro, o sol nasce com um brilho vermelho como fogo sobre a água. A lua minguante é o símbolo da passagem da era dos grandes veleiros. O sol ardente sobre a água é o símbolo da nova era da máquina a vapor.
- Constable, The Haywain, 1821, Suffolk
- Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
- Courbet, Women on the Bank of the Seine, 1857, França
- Henri Fantin-Latour, Apples on a Dish, 1861, França
Esta imagem é uma natureza morta. Na Renascença, esculturas de naturezas mortas faziam freqüentemente parte da decoração de madeira dentro de salas importantes de um palácio. Nos anos 1600 e 1700, pinturas de naturezas mortas também se tornaram comuns e eram mais freqüentemente vistas na sala de jantar, onde frutas, flores e animais que haviam sido mortos por causa da carne eram decoração da moda. Nos anos 1800 muitos artistas como Fantin-Latour pintaram pequenas naturezas mortas como esta para praticar suas habilidades na organização de um quadro, no estudo da luz e no estudo da textura. Muitos artistas também pintaram naturezas mortas porque eram pobres demais para pagar por um modelo de artista, ou porque o clima era ruim demais para pintar paisagens. Fantin-Latour fez um grande número de pequenos quadros como este. Ele arranjou quatro maçãs de diferentes cores e formas e fez um estudo de como a luz fica em suas superfícies curvas.
Seurat era um amigo dos pintores impressionistas franceses. Ele tinha uma teoria de que todas as cores eram compostas de muitas cores que eram separadas quando a luz passava para os olhos. Ele experimentava a cor pintando em pequenos pontos. Seu estilo de pintura é chamado de pontilhismo. Esta grande pintura demorou muito tempo para ser feita. Mesmo sendo uma cena ao ar livre com muitas figuras, está muito imóvel, como se o tempo tivesse parado. Quando a pintura é olhada de perto, pode-se ver que mesmo as partes que parecem brancas ou pretas são feitas de centenas de pontos minúsculos de cor.
- Vincent van Gogh, Landscape with Cypress Pine, c.1890, França
Vincent van Gogh teve uma vida difícil e conturbada. Ele nasceu na Holanda, mas foi pintar na França. Ele tinha muito poucos amigos e tinha dificuldade para vender suas pinturas. Felizmente, ele teve o apoio de seu irmão Theo e de um médico para quem ele pintava quadros. Esta paisagem é um bom exemplo de seu estilo. Na pintura, tudo parece ter uma vida própria. As nuvens são como grandes bestas que rolam pelo céu, o grão ondulante se estende como as mãos, as montanhas estão roncando e o pinheiro cipreste parece bastante perigoso. Vincent usou cada pincelada para ajudar a criar este movimento em forma de chama. Outra coisa importante nesta pintura é o contraste. As cores mudam do vermelho-alaranjado quente para o azul-gelo. A grande árvore escura à direita está em contraste tonal com as nuvens brancas. A direção vertical da árvore está em contraste com a direção horizontal da paisagem. Em 1890, Vincent tirou sua própria vida depois de pintar centenas de quadros em apenas cinco anos.
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